Hastiada con el estado del mundo, y especialmente de su país, EEUU, Jill Greenberg tuvo una idea. Reunió a una treintena de niños de entre dos y tres años -entre ellos, Violet, su propia hija, los hijos de algunos amigos y unos cuantos contratados en una agencia de modelos- y los fue llevando de uno en uno a su estudio de Los Angeles. Allí los desnudó del torso para arriba, les dio una piruleta, inmediatamente después se la quitó y, aprovechando sus rabietas, los fotografió llorando. De los tímidos pucheros de algunos a los llantos histéricos, casi operísticos de otros, las imágenes debían ser una alegoría del rechazo al mundo que a estos niños les tocará heredar.
No esperaba Greenberg la que se avecinaba. De origen canadiense, pero afincada en EEUU desde hace décadas, Jill Greenberg, 39 años recién cumplidos, se suele ganar la vida como fotógrafa de estrellas. Ha retratado a Clint Eastwood, Steven Spielberg, Sharon Stone y Tom Cruise, entre muchos otros, y sus fotografías han aparecido en las portadas de los semanarios Time y Newsweek.Pero ningún trabajo suyo ha sido tan comentado como esta serie End Times, literalmente, los días del fin.
Arte o Crueldad ?
Sandro Botticelli (1445-1510)
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 – Ídem, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor italiano de la escuela de Florencia durante el Renacimiento, en la segunda mitad del Quattrocento. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médicis fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperado a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, de las obras maestras florentinas más conocidas.
La primavera
Datación
La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cem de ancho.Su datación es incierta. Según buena parte de la crítica, se pintó en 1477 o 1478. Chiara Basta opta, en cambio, por una fecha en torno a 1482, es decir, después de la fundamental experiencia romana de Botticelli. Señala como posible ocasión para la cual se realizó el cuadro el matrimonio, celebrado en 1482, entre Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo segundo de Lorenzo el Magnífico, y Semiramide Appiani, sobrina de Simonetta Vespucci, de soltera Simonetta Cattaneo, que estaba casada con Marco Vespucci, aliado de los Médicis. La familia Appiani era propietaria de las únicas minas de hierro de la época, en la isla de Elba, de las que Lorenzo de Médicis consiguió los derechos de explotación.
Un inventario de 1499, que no se descubrió hasta 1975, enumera la propiedad de Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y permite afirmar que en el siglo XV La Primavera estaba sobre un letuccio (diván) en una antesala adyacente a las habitaciones de Lorenzo di Pierfrancesco en la ciudad de Florencia. Posteriormente debió trasladarse a la villa de los Médicis en Castello, donde la sitúa Vasari en 1551, quien decía que representaba a "Venus, adornada con flores por las Gracias, anuncia la llegada de la primavera".
Cuadros con un formato tan grande no era inusuales en las residencias privadas de las familias poderosas. La Primavera es, sin embargo, altamente ilustrativa de la iconografía y forma clasicista, representando a dioses clásicos casi desnudos y a tamaño natural y con un complejo simbolismo filosófico que requería un hondo conocimiento de la literatura y sincretismo renacentistas para interpretarla.
Analisis de la Obra
Giulio Carlo Argan pone en evidencia cómo esta tabla se pone en contraste con todo el desarrollo del pensamiento artístico del siglo XV a través de la perspectiva. Identifica el arte con la interpretación racional de la realidad, que culmina con la grandiosa construcción teórica de Piero (della Francesca).
Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias.
Estudios interesantes son los que se han realizado sobre las relaciones dimensionales de las partes de la escena en referencia a reglas musicales.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes.
La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médicis. No obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici. Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio, Lorenzo, en latín Laurentius.
En suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669.
Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado
Sólo hay una frase conocida de Rembrandt describiendo lo que pensaba lograr a través de su arte: «el mejor y más natural movimiento», que fue hallada en una carta escrita a uno de sus mecenas.
En total Rembrandt produjo cerca de 854 cuadros, 300 aguafuertes, y 2.600 dibujos. Fue un prolífico pintor de autorretratos, pintando alrededor de 80 cuadros y 20 aguafuertes sobre el tema durante su larga carrera. Además nos dejó pinturas de su persona notablemente claras. Su mirada y —lo más importante— sus emociones nos permiten apreciar el infortunio y la tristeza que arrugan su rostro.
Entre las características prominentes de su obra se encuentra el uso del claroscuro, a menudo usando fuertes contrastes, lo que introduce al observador dentro del cuadro. Sus escenas vívidas y dramáticas destacan sobre la rígida formalidad que muestra la obra de la mayoría de los artistas de la época, junto con un profundo sentimiento de compasión por la raza humana, sin discriminación alguna por la fortuna o edad del sujeto.
En sus cuadros aparecen a menudo los miembros de su familia; su esposa Saskia, su hijo Titus, y su compañera sentimental Hendrickje, incluso usándolos como modelos en pinturas de temáticas mitológica o bíblica.
sábado 16 de agosto de 2008
Picasso, (Pablo Ruiz Picasso) 1881-1973
Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX.
¿Fotos o Esculturas?
Artista: Duane Hanson [esculturas, 1925 - 1996]
traveller - fibra de vidrio & mixed media, 1988:
queenie II - bronce policromado, 1988:
Artista: Robert Bechtle [pinturas, 1932 - presente]
‘61 pontiac - oleos, 1968
alameda gran torino - oleos, 1974:
Artista: Ron Mueck [esculturas, 1958 - presente]
untitled (big man) - polyester y resina, 2000:
mask II - escultura, 2001:
miércoles 13 de agosto de 2008
Hiperrealismo con Boligrafo
Normalmente utilizamos el bolígrafo para escribir, pero en este caso un sencillo bolígrafo se convierte en un pincel extraordinario en las manos de un artista. Aque tenemos presente la gran destreza del artística de Juan Francisco Casas que plasma sus dibujos de escenas cotidianas con fidelidad fotográfica, únicamente con un bolígrafo azul y una hoja de papel.
"Son escenas domésticas que capto con una cámara digital", explica Casas, capta esos momentos en los que él y sus amigos lo pasan bien y luego copia las instantáneas. Todas las imágenes remiten a una intimidad que Casas revela en breves flases. 
Sus ilustraciones son hojas de papel que muestran escenas festivas protagonizadas por un grupo de jóvenes que disfrutan su alegría.
Toda su figura está perfilada por cientos de rayas de un color azul eléctrico, el de la tinta de las lapiceras Bic con las que Juan Francisco Casas ha dibujado una veintena de retratos hiperrealistas, que resultan impresionantes por el resultado conseguido, pues utiliza un medio (el bolígrafo), que no fue pensado para esa labor.
Dibuja trazo a trazo. Línea a línea. Durante horas. Con minuciosidad y mucha, mucha atención. El mínimo error echa a perder el trabajo de semanas y vuelta a empezar. Uno se puede hacer una idea de las horas de trazos que requiere cada una de sus obras.
Como dato curioso menciona que ha llamado a Bic, el gigante de los bolígrafos al que compra "cajas y cajas" de unidades. Pero la empresa no parece interesada en patrocinarle (ellos se lo pierden). Él, sin embargo, seguirá agotando birome tras birome. Su arte depende de ello.
Fuente: El Pais.
Bienal de Liverpool 2008
Vuelve el mayor Festival de Arte Visual Contemporáneo del Reino Unido, en el que los mejores artistas británicos compiten por el Premio John Moore de pintura contemporánea.
Liverpool, julio de 2008
El próximo mes de Septiembre, los visitantes de Liverpool disfrutarán como nunca al doblar las esquinas y encontrarse con las obras de algunos de los mejores artistas del mundo por las calles de la ciudad. Este año el festival promete ser más grande y mejor que nunca.
Artes Visuales
Una buena dosis de talento y originalidad ilumina las artes visuales en Liverpool 2008. Después de Londres, es la ciudad con más museos y galerías de Gran Bretaña. Aquí sólo encontrarás obras maestras.
La gloria y el esplendor de su pasado industrial brillan tanto en las colecciones de arte como en los edificios que las acogen, es el caso de la Walker Art gallery, la Lady Lever gallery (Port Sunlight) y el resto de edificios que configuran los Museos Nacionales de Liverpool.
Artistas de todo el mundo estrenarán sus últimos trabajos en la Bienal de Liverpool de 2008, que este año tira la casa por la ventana.
Bluecoat es el edificio dedicado a las artes más antiguo de Gran Bretaña y este año ha reabierto sus puertas para convertirse en un oasis cultural en el centro de la ciudad. En Greenland Street, Afoundation ha creado algunas de las salas de exposiciones más grandes de Gran Bretaña, justo al lado del nuevo Contemporary Urban Centre.
La guinda del pastel la ponen la Tate Liverpool, en la que podrás ver la Colección Nacional de Arte Moderno en el Norte de Inglaterra, Open Eye y su impresionante colección de arte digital y multimedia, y la Foundation for Art and Creative Technology (FACT).
Todo este talento tiene este año una plataforma única de exposiciones y eventos culturales en los que además podrás disfrutar del floreciente cine hecho en Liverpool con proyectos como Digital Departures, un conjunto de películas que se estrenarán a lo largo de 2008.
Artes escénicas
El secreto de la cultura en Liverpool son sus salas. The Empire Theatre, Liverpool Playhouse y Everyman, The Philharmonic Hall, Royal Court, Unity y Bluecoat area son producto del inmenso talento creativo y a su vez son los catalizadores de grandes actuaciones.
Liverpool es una ciudad rebosante de imaginación y necesita expresar sus emociones en forma de danza y teatro.
En los alrededores de Hope Street se respira la energía de las escuelas de arte, de los cafés, las academias y los teatros. Aquí se mima el talento en más de diez academias y escuelas de arte, en teatros como el Everyman y el Unity y con espectáculos como el British Dance Edition.
El festival contemporáneo de música dance Leap y el festival del sudeste asiático Milapfest se suman a la dinámica agenda de espectáculos que también cuenta con la magia del circo de Marruecos y su Homotopia, el festival de artes gay y lésbico y los eventos especiales del 2008, como Liverpool is Burning, Babul and the blue Bear, Contacting the World y Eric’s.
Como complemento, la programación de teatro y danza popular tiene el honor de contar con la presencia de compañías como el Ballet Nacional de Inglaterra y la Ópera Nacional de Gales a lo largo del año.
La estrella de las artes escénicas de Liverpool siempre ha sido el teatro. Un poco de comedia, originales guiones y dramas que hielan la sangre. El teatro de Liverpool siempre piensa en la comunidad y la ciudad, por eso la Royal Court actúa por y para el pueblo, y este año con más razón, ya que es el año dedicado a las artes escénicas.
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