Art from Matushka Medouz

Voy a deleitar a los visitantes de este blog con una artista que me tiene prendada de su fascinante trabajo. Hermosas imágenes etéreas y a la vez muy cotidianas, que nos cuentan historias que no necesitan palabras, por que la belleza de con las cual nos cautiva el artista no traslada a un mundo distinto y paradójicamente cotidiano. Les dejo un poema Gothico anonimo para acompañar estas hermosas imagenes, se trata de un balada medieval escocesa al menos esta version ya que tiene muchas varientes imposibles de reunir. Que las disfruten tanto palabras como imagenes.


La Dama Isabel y el Caballero Elfo.
Lady Isabel and the Elf Knight.

La Dama Isabel bordaba sentada en su alcoba,
Mientras los mancebos la rodeaban alegres.
Entonces ella escuchó que un Caballero Elfo
Soplaba su cuerno estremeciendo el cielo.
Era la primera semana de mayo.

Si tuviese aquel cuerno, ella dijo, Que oigo temblar,
Al Caballero Elfo que lo toca en mi seno le dejaría reposar...


La Dama dijo las palabras en un suspiro,
Y el Caballero Elfo en la ventana fue visto.



Es un asunto extraño, dulce doncella; dijo el Elfo.
Apenas he tocado mi cuerno cuando vuestros labios me convocaron.

¿Vendrá conmigo al Bosque Verde, doncella?
Pues si no lo desea, de todos modos lo hará.

Él salto sobre un corcel, la Dama sobre otro,
Y hacia el Bosque Verde juntos cabalgaron.

Desmonta, Dama Isabel, este es el lugar;
Este es el sitio en donde morirás.

Piedad, amable señor, piedad por esta doncella;
Dejad que a vea a mi padre, y a mi querida madre.
Siete Hijas de Reyes fueron muertas por mí,
Y tu único destino es ser la octava.

Reposa conmigo, caballero, apoya tu cabeza en mi falda,
Permite que descanse antes de vestir mi mortaja.


Se acercó a él y con caricias lo arrulló,
Cautivo de sus encantos, el Elfo se durmió.

Con el cinto de su espada la doncella lo sometió,
Y con su propia daga, herida mortal le dio.


Si Siete Hijas de Reyes por tí fueron muertas,
Yaced aquí, y sed un esposo para ellas.









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domingo 30 de noviembre de 2008

Fotowork from Peter Beste


Peter Beste, es un fotógrafo que le intenta retratar las diferentes tribus urbanas en este caso a mi solo me interesa la escena Black Metal en Noruega la cual logra plasmar muy exquisitamente en trabajos tanto a color como blanco y negro.


Lo mas interesante de todo es que las fotos son de grupos muy influyentes en la escena Black integrados en momento muy comunes o muy íntimos y para el que conoce seguro me entiende al ver las fotos se da cuenta quienes son algunos de estos músicos.



















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sábado 29 de noviembre de 2008

Body II













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martes 25 de noviembre de 2008

Trompe l´ oeil

Un trampantojo (o «trampa ante el ojo», también llamado trompe l'œil , expresión francesa que significa «engañar al ojo») es una técnica pictórica que intenta engañar a la vista jugando con la perspectiva y otros efectos ópticos.

Los trampantojos suelen ser pinturas murales realistas creadas deliberadamente para ofrecer una perspectiva falsa. Pueden ser interiores (representando muebles, ventanas, puertas o escenas más complejas) o exteriores, en muros de edificios.
Ejemplo del efecto Schüfftan en Metrópolis de Fritz Lang

También pueden encontrarse trampantojos pintados en mesas (aparentando naipes dispuestos para una partida, por ejemplo) u otros muebles.

A pesar de que los trampantojos son más propios de la pintura también existen famosos «engaños» en arquitectura, algunos de los más conocidos son la Scala Regia en el vaticano de Gianluca Bernini o la Galería Spada del Palazzo Spada de Borromini, en estos casos se trata contrarrestar ciertas impresiones o modificar la percepción del espacio mediante efectos arquitectónicos, como variar la altura de las columnas para conseguir, en el caso de la escalera, que esta parezca mucho más profunda.




Trampantojos en el cine


Los trampantojos también han sido utilizados con profusión en el cine hasta la aparición de los efectos especiales digitales. Desde simular una vista exterior a través de una ventana en escenas rodadas en decorados interiores, hasta la simulación de todo un "grandioso" decorado exterior.

Un método habitual (Matte en inglés) era pintar el "gran" exterior (ciudades, cielo, etc.) en una tabla de madera de pocos metros que se situaba relativamente cerca de la cámara pero ocupando solo una parte del encuadre, mientras que la escena real tenía lugar más lejos y ocupando el resto del encuadre de la cámara; así, haciendo coincidir el borde del trampantojo pintado con la escena real, el efecto es que todo se desarrolla en un gran escenario, cuyo coste de construcción hubiera sido prohibitivo. Incluso se podía llegar a tener todo el decorado como trampantojo, ocupando todo el encuadre, y solo a través de un hueco en él tenía lugar la escena real. Podriamos decir que en el cine para conseguir este efecto de ilusión óptica se juega con elementos como la escala(de los distintos elementos que conforman la perspectiva) así como la distancia de la camara al objeto filmado y la profundidad de campo.

Una variación es el método Schüfftan (por su inventor Eugen Schüfftan), en el que delante de la cámara lo que se colocaba era un espejo parcialmente transparente (quitando parte de la película reflectante del espejo). En la parte espejada se reflejaba el trampantojo y a través de la parte transparente tenía lugar la escena real.









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sábado 22 de noviembre de 2008

Kris Kuksi "The Grotesque"

Kris Kuksi nació en Springfield, Missouri el 2 de Marzo de 1973. Pasó su juventud recluido en aisladas zonas rurales, con un collar azul, una madre trabajadora, dos hermanos mayores y un padre ausente. Un país llano y de escasos árboles junto con un padrastro alcohólico tal vez allanaron el camino a un individuo saturado de imaginación e introversión. Al llegar a la edad adulta su arte florece. Para el lo grotesco se hace hermoso y pronto descubre su disgusto por la típica vida americana y la cultura pop, con la sensación de que siempre ha pertenecido al “Viejo Mundo”. En su reflexión personal, considera que en el mundo de hoy gran parte de la humanidad es a menudo rívola y frágil siendo impulsados principalmente por la codicia y el materialismo. Él espera que su arte exponga las falacias del hombre, desvelando un nuevo nivel de conciencia en el espectador. Su trabajo ha recibido varios galardones y premios y ha aparecido en más de 100 exposiciones en galerías y museos de todo el mundo, incluyendo el “Smithsonian’s National Portrait Gallery”. Su Arte también puede ser visto en numerosas revistas, tapas de libros y carteles de teatro y en colecciones públicas y privadas de America, Europa y Australia.

Clik en las imagenes y entra a la pagina oficial del Artista


La obra de Kris Kusi abarca diferentes campos, pintura, dibujo y sobre todo escultura, donde sus creaciones adquieren un tinte más macabro y donde encontramos un sorprendente trabajo lleno de detalles y simbología que el saca directamente de su cabeza, sin pasar por ningún modelo anterior como pudiera ser la fotografía o el ordenador, y utilizando una gran variedad de utensilios en su realización. Kris Kuksi nos propone ese reto entre lo bello y el horror, la “belleza de lo oscuro” llevada a sus extremos, aunque hay obras suyas, sobre todo en pintura, donde lo tétrico queda a un lado para dar paso a lo plenamente bello, pero son las que menos, en general es esa fusión de sensaciones lo que se percibe viendo sus obras. Estas a su vez comparten sus pensamientos sobre cuestiones psicológicas, ideología religiosa, y estética sin perder nunca la honestidad consigo mismo. Kuksi tiene también su espacio en devianArt.

Espero disfruten de este Artista tanto como yo disfruté haciendo esté post.

















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miércoles 19 de noviembre de 2008

Que se haga la Luz!!!

Dan Flavin (1933-1996)

Breve biografía


Escultor estadounidense vinculado al minimalismo. No recibe una educación artística formal y será hasta 1959 cuando toma gran interés por el arte. En un principio se siente atraído por la pintura, dedicación que abandona en 1963 cuando comienza a trabajar con tubos fluorescentes; crea entonces entornos estáticos mediante la utilización de éstos combinados con luces de neón. Se trata de composiciones simples que evitan cualquier efecto complicado y que acentúan las cualidades energéticas, coloristas y vibratorias de los tubos, otorgando especial importancia a la luz diagonal. El cromatismo de su obra le permite confeccionar atmósferas de gran misticismo y que transmiten sus inquietudes religiosas. En el 2004, empezo el recorrido de una importante retrospectiva de Flavin que pudo verse en Estados Unidos y Europa hasta el 2007, en instituciones como el MCA Chicago, la Hayward Gallery de Londres, el Musée d'art Moderne de la Ville de París, el LACMA de los Angeles, entre otras. La carrera de este artista –un largo recorrido en la experimentación con la luz, el color y los espacios interiores-, fuera de los medios tradicionales de pintura y escultura le sitúan como progenitor y figura clave del minimal art. Junto con Donald Judd (Missouri), 1928 – Nueva York, 1994), Carl Andre (Quincy, 1935) y Robert Morris (Kansas City, 1931); Flavin utilizó materiales industriales inalterados y desnudos que ponía al servicio de los principios de la abstracción como la repetición seriada y la relación directa del objeto artístico con el espectador y con el espacio circundante, definiendo características del minimal art. Aunque Dan Flavin (1933-1996) es uno de los más importantes e influyentes creadores del siglo XX, es la primera gran retrospectiva que se le dedica y por ello, la primera oportunidad de ver la calidad y complejidad de su corpus creativo. El montaje que se desarrolla en orden cronológico a lo largo de los 35 años de producción, demuestra los diferentes medios a través de los cuales el artista ha experimentado. Partiendo desde los primeros "icons" producidos entre 1961 y 1963 –una serie de cajas como construcciones con luces fluorescentes e incandescentes-, hasta llegar a las instalaciones que ocupan por entero una habitación o los conocidos "monuments" para Vladimir Tatlin (Jarkov, 1885 – Moscú, 1953) que realizados entre 1964 y 1981, manifiestan el interés de Flavin por revisar el monumento conmemorativo o político junto con la idea de serialidad; la exposición cuenta con obras maestras del creador neoyorquino como monument 4 those who have been killed in ambush (to P.K. who reminded me about death) de 1966. Muchas de las obras que se presentan son homenajes que Flavin dedicó a artistas contemporáneos y predecesores modernos que el admiró como Constantin Brancusi (Pertisani, 1876 - París, 1957), Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - Nueva York, 1944), Henri Matisse (Le Cateau - Cambresis, 1869 - Niza, 1954), Alexander Calder (Filadelfia, 1898 - Nueva York, 1976) y Barnett Newman (Nueva York, 1905 – 1970). La magia producida por la combinación de la luz y el color en la obra de Dan Flavin, han convertido a este representante del minimalismo en uno de los artistas más significativos del arte contemporáneo. Ahora, la Villa Panza, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, acoge la exposición más importante dedicada al artista, en Europa, desde su fallecimiento en 1996. Una veintena de instalaciones –todas ellas pertenecientes a la Colección Panza- son expuestas en las salas de esta villa italiana del siglo XVII, para algunas de las cuales Flavin ideó obras específicas. La exposición permite contemplar la emoción que se desprende de piezas basadas en composiciones de tubos fluorescentes, algo que en una primera impresión podría parecer frío o banal, pero la realidad es que tras la belleza de las obras de Flavin se esconden también gran cantidad de sensaciones vividas por el artista, que van del sufrimiento a la alegría y del juego a la meditación a través del uso del color. En este sentido, el visitante podrá recorrer el Varese Corridor, una de sus más célebres instalaciones desde la que se penetra en una de las salas. Flavin, que no gozó de demasiada fama en vida, encontró en Giuseppe Panza uno de sus primeros y mayores admiradores. Éste empezó a adquirir obras del americano, siendo hoy día la colección europea permanente con más piezas de Dan Flavin, y contribuyendo así a la posterior fortuna de este artista clave del siglo
















Fluorescencia

En su carrera a lo largo de la historia del hombre la luz, como concepto, se ha visto asociada a la virtud, la ciencia, la sabiduría, la vida, la claridad mental y espiritual. El acto de ‘entregar luz’ (“dar a luz”, “sacar a la luz”, encender, iluminar), supone cierta consideración, valoración, estima del objeto en cuestión, a partir de la historia misma del término.

A principios de los años 60 Dan Flavin descubre la luz de otra manera para el arte. Comienza a realizar instalaciones con tubos fluorescentes comunes, modificando espacios arquitectónicos con los más disímiles diseños de colores y disposiciones, y creando atmósferas de inmaterialidad.

En su minimalismo visual, las piezas incitaban a la contemplación y reflexión sobre la luz como experiencia puramente estética, sin otra conexión o asociación conceptual aparente. Sin embargo, a través de los títulos el artista americano (no sin cierto grado de ironía en ocasiones) dedicaba casi siempre sus “luces” a alguna persona o las asociaba a un hecho o cosa.

Al revisar su biografía, no nos parece gratuito o ingenuo el que entre la lista de ‘iluminados’ por sus piezas estén Constantin Brancusi, Vladimir Tatlin, Henry Matisse, Piet Mondrian, Leo Castelli, Jan y Ron Greenberg, John Reeves, Blind Lemon Jefferson, Sean McGovern, Louis Sullivan, William of Ockham, entre otros. En la obra del artista, el reconocimiento a una persona o hecho es una evidente declaración conceptual.

Luego de haber expuesto en Cuba, la artista escocesa Nicola Atkinson. Davidson recurre también al acto de “iluminar”. Pero no viene al caso ahora repetir lo que se convirtió en fórmula para el autor de “La Arquitectura de la Luz”. Nicola ilumina con la entrega de los fragmentos de su instalación Pintura de Mar. Coincidentemente, son éstos lámparas fluorescentes.
Las treinta luces con filtros verdes –partes integrantes de su pieza en el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales, de la Habana Vieja- fueron entregadas a un grupo de jóvenes artistas plásticos cubanos: Harold Vázquez, Rubert Quintana, Alain Pino, James Bonachea, Pavel Acosta, Analía Amaya, Iván Capote, Yoan Capote, Helga Montalbán, Duvier del Dago, Humberto Díaz, el dúo E&D (Edgar Echavarría y David Beltrán), Fidel Ernesto y Carlos José García. Se les ha pedido le den un nuevo uso, que será
posteriormente documentado.

Los destinos de las lámparas fluorescentes podrán ser los más inesperados. En total libertad creativa, no se han puesto cotas o restricciones a su uso. Por lo tanto, se contempla como posibilidad el que las mismas tomen tanto la forma de una nueva obra de arte, como un camino puramente utilitario, integrándose, como el resto de los fragmentos de la exposición del pasado junio, a la vida profesional o doméstica de estos creadores.

La curaduría de Fluorescencia no pretende hacer una propuesta estética en el sentido tradicional. Es un proyecto virtual. No requiere la presentación física de obras en un espacio de exposición, sino que existe desde la selección misma de estos “iluminados” y desde su convivencia, su diálogo, en este catálogo y palabras de presentación, a partir de la posesión de fragmentos de la pieza de Atkinson Davidson. El acto se vuelve reconocimiento, homenaje a un trabajo que, aunque joven, promete tener o tiene ya en el contexto del arte contemporáneo cubano, su mérito. El propósito no es más que la ‘fluorescencia’ misma.

Como principio físico, la fluorescencia es la capacidad de ciertas sustancias (gases, en los tubos de luz fría) de absorber energía, para emitirla luego en forma de luz. Y es que esta acción de entregar luces lleva implícita la idea del compartir, con la esperanza de la continuidad. La acción de Atkinson Davidson es un estímulo; pudiera decirse que es una incitación al “atreverse a conocer” a que se refería una vez Kant. Como Fluorescencia-Ilustración espera una ‘reacción’ creativa, que puede ser ya a corto olargo plazo, pero a la cual, sin dudas, las luces contribuirán de una u otra manera.

El acto del “sacrificio” (la fragmentación de una obra) para dar a luz, para “iluminar”, (entregarla, compartirla con otros) pudiese conducirnos a realizar asociaciones religiosas, tan caras al arte históricamente. Sin embargo, en este caso el camino desemboca en un ejercicio de pura tautología, porque la creación artística aquí es principio y fin. A través de Fluorescencia, “Pintura de Mar/Sea Painting” se integra a un proceso de trabajo infinito, que viene generando la artista desde hace algunos años ya, y que ve su continuidad de disímiles formas, a través de numerosas personas.

El método de trabajo se basa en la inducción a la creación colectiva, a partir de la creación personal: en el intercambio, en el recibir y otorgar (ya sea a través de cucharas de postre, botones, zapatos, secretos...) la artista ejercita la capacidad de comprometimiento, de contagio, que puede tener el hecho artístico. En muchas ocasiones Nicola ha involucrado en su obra a comunidades completas, a la vez que a
otros artistas y profesionales del arte, en sentido general (músicos, curadores, etc.).

Nuevos artistas y proyectos sobrevendrán en el intento, siempre bienvenido, de esta ‘artista del mundo’, de convertir al arte en un continuum universal, a través de su propia obra. El proceso no termina; la red de intercambios crece y a ella se suman jóvenes creadores cubanos, ya sea a través del mar, que es factor común, o de sus luces, para seguir “fluoreciendo” en nombre del arte.

Espero que lo disfruten y me dejen comentarios!!!!

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sábado 15 de noviembre de 2008

Luis Royo I - Tattoos -

Aca les dejo de la madre tierra otro artisa que seguro muchos lo conocen y los que no seguro se sorprenderán. Esta es la primera entrega de muchas series más con las que prometo deleitarles.


Luis Royo (Olalla, Teruel, 1954) artista español que destaca por sus ilustraciones erótico-fantásticas, ya sea con tintes mecánicos o más épicos, por decirlo de algún modo. Por otra parte también cuenta con ilustraciones futuristas, de ciencia ficción, o fantastico-épicas sin necesidad de una connotación erótica o sexual.

Además de sus obras independientes, ha colaborado con el diseño de videojuegos, álbums como por ejemplo El ángel caído, de Avalanch, y también como caratulas de discos de grupos de gothic-black metal como Graveworm, portadas de tebeos, carátulas de juegos de ordenador como tZar y cartas de tarot.

Especialmente famosas son sus ilustraciones de Julie Strain (actriz), para las portadas de la película animada Heavy Metal'.









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viernes 14 de noviembre de 2008

Victoria Frances







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miércoles 12 de noviembre de 2008

Illustrations from Winfred Hawk















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domingo 9 de noviembre de 2008

Catsland II














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martes 4 de noviembre de 2008

Freeone













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Objetos Comunes

Aqui les dejo diferentes imagenes de Naturalezas Muertas hermosas. Como los objetos cotidianos pueden llevarnos a momentos aromas y lugares que nos son familiares.















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domingo 2 de noviembre de 2008


 

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